Alec: La foire d’art contemporain (FAC) de Saint-Lambert

dimanche 4 avril 2010

La foire d’art contemporain (FAC) de Saint-Lambert

Je participerai à La foire d’art contemporain de Saint-Lambert

« La foire d’art contemporain (FAC) de Saint-Lambert se présente comme « le » nouvel événement en arts visuels, sur la Rive-Sud. Pendant trois jours, au printemps 2010, 20 artistes professionnels et émergents vont exposer leurs oeuvres. Les artistes sélectionnés pour exposer à la FAC de Saint-Lambert, sont tous des artistes professionnels et émergents de haut calibre. Leur parcours est notable et leurs oeuvres percutantes. Ils sont de Saint-Lambert, de Montréal et des environs, peintres, sculpteurs, illustrateurs et photographes. »

L’événement se tiendra durant le weekend du 30 avril 2010, du vendredi au dimanche.
Le vernissage aura lieu le jeudi 29 avril.

Espace Création
1101, rue Victoria, Saint-Lambert
www.dominiquepayette.com
Carte Google

www.lafacdesaint-lambert.com

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expositions passées

EXPOSITIONS solos

"Les humains et
le métal"
Espace Création
Du 18 au 27 octobre
2012
Bande annonce 1
Bande annonce 2
Bande annonce 3

"Mémoire dansante"
Studio Bizz
Du 3 novembre 2010
au 30 janvier 2011

"Mémoire usinée"
Galerie Art Neuf
Du 1er mars au 19 avril 2010

Rétrospective
La Tohu
Du 13 mars au 10 mai 2008

"Formes noires
sur bière blanche"
Chez Baptiste
Du 27 mai au 24 juin 2007

"Formes noires
sur briques rouges"
Bistro In Vivo
Du 30 avril au 26 mai 2007

"Formes noires
sur nuits blanches"
O Patro Vys
Du 5 Février au 4 mars 2007

"Formes noires"
Galerie Format L78
Du 8 janvier au 3 février 2007

"Formes noires"
Va-et-Vient
Du 5 au 3 novembre 2006

"Mécaniques"
Nyk's
Du 3 octobre au 28 novembre 2006
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EXPOSITIONS collectives

"Urbain"
M Galerie
Granby
du 5 mai au 1er juin
2012
mgalerieboutique.com

"Les grands formats"
Galerie des Cantons
Magog
du 18 février au 8 avril 2012

"Les petits formats s'emballent"
Galerie Espace Création
Saint-Lambert
Du 8 au 18 décembre 2011

"La foire d’art contemporain
(FAC) de Saint-Lambert"
Galerie Espace Création
Saint-Lambert
Du 29 avril au 2 mai 2011

"Vitamine Art"
ATELIER art toutes directions
Saint-Hyacinthe
10 juin au 25 juillet 2010

"La foire d’art contemporain
(FAC) de Saint-Lambert"
Galerie Espace Création
Saint-Lambert
Du 29 avril au 2 mai 2010

Encan
Pour le "Garde manger pour tous"
salle de bal du Marché Bonsecours
350 St-Paul Est dans le Vieux-Montréal.
Mercredi le 22 avril 2009

Encan
Pour les Mères Avec Pouvoir (Map)
Café Méliès, Complexe Ex-Centris
Conseil des Arts du Québec, Fondation Un Toit
Jeudi 6 mars 2008

Affichage extérieure
S.P.E.V.V.
Société Protectrice de l’Environnement Visuel des Villes
De mars 2007 à avril 2008

Peinture en direct
pour le 1er anniversaire de l’In Vivo
+ Encan silencieux
Vendredi 6 octobre 2006

SoukMachine Festival
Centre Fractal
8 et 9 semptembre 2006

Galerie Gora
du 9 mai au 27 mai 2006

Collectif Art Plateau
Les brasseurs RJ
du 20 janvier, au 20 mars 2006

Galerie Berensen
du 1er septembre, au 1er décembre 2005
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PERFORMANCES

15x15
Mutek
Nuit Blanche
Montréal en Lumière
Samedi 1er mars 2014

Concert Bénéfice
Chambly
4 février 2014

CycleArt
Samedi 7 décembre
Montréal

Eastern Bloc

Les aiguilles tournent à l'envers
Soirée Performance
Montréal
Danse, concerts, projections, peinture
Samedi 8 septembre 2012

V.I.P Virus d'improvisation Picturale
Belmont
Montréal
5 janvier 2012

Marché CyclArt
10 décembre 2011

Lancement du
disque de Wlove
Petit Campus
Montréal
19 octobre 2011

Symposium de peinture de Chambly
6 août 2011

Vitamine Art
16 juillet 2010

Mainline Theatre
avec Melsa Montagne
25 mars 2010

La Tohu
22 mars 2008
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Alec

Artiste peintre - Designer

Né à Genève, fils de la peintre Ceska, je suis multidisciplinaire, un touche-à-tout du visuel et du formel.
La peinture est mon mode d'expression le plus exploratoire et le plus libérateur. Cette dimension artistique a progressivement influencé tous mes autres secteurs de création.

Ayant fait mes études aux Arts Décoratifs de Genève, j’ai entrepris une carrière de graphiste publiciste.

Arrivé à Montréal en 89, je me suis plongé dans divers projets de design industriel, dont j’ai tiré un goût pour la mécanique et les machines. C’est durant cette période que je me suis mis à peindre plus intensivement.

J'ai récemment ajouté une autre dimension à ma pratique picturale : la performance de peinture en direct. Je travail actuellement sur un projet amalgamant musique électro improvisée et peinture en direct.
Projet Électro-Acrylique

Aujourd'hui, je suis directeur artistique, chroniqueur, styliste et designer.

Les Séries

exHumachina
acrylique sur toile - 2012
30" x 48" (76,2 cm x121,9 cm)
série "Humains"

Série Humains
7e phase (2012-...)

Observer le corps comme on découvre une machine et son émanation énergétique inertielle. L’image du corps étant statique, il ne peut s’en dégager que la résultante de l’effort, non plus dans son action, mais dans son résidu mnémonique des tissus, de la matière même du corps.

La machine, elle, fait de même. En prenant un cliché de celle-ci, on ne la voit pas en action, mais son énergie transparaît à travers l’image prise en instantané. Et ce qui est paradoxal, c’est que cet instantané révèle en fait une beaucoup plus longue période de temps : le vécu.

En mettant en parallèle un humain et une machine, je cherche à observer toutes les similitudes énergétiques, mnémoniques, voire historiques possibles de l’un et de l’autre.

L’émanation énergétique inertielle est pour moi l’essence même de « la force tranquille », mais est-elle si tranquille que cela? Même si l’humain semble au repos, il vibre encore de l’effort effectué. La machine, même si on l’éteint subitement, continuera à dégager sa chaleur. Le corps aussi.

Plus loin dans le temps : Si on observe une ancienne machine de proche, si on la touche, ou même simplement en y étant pleinement attentif, on peut y déceler encore l’énergie qu’elle a produite ou consumé par le passé. Pourquoi? Parce que l’émanation énergétique inertielle fait désormais partie de ses entrailles, de ses atomes.

Il y a des corps dont émane aussi facilement cette énergie inertielle, des corps qui parlent, qui s’expriment rien qu’en étant là. Le charisme? Probablement. Mais il ne s’agit pas de caractère, il s’agit de présence, de masse, tout comme la machine.
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La douille de lampe
acrylique sur toile - 2011
24" x 30" (61,0 cm x 76,2 cm)
série "Métal"

Série Métal
6e phase (2011-...)

Dans cette série de toiles, je veux observer sans juger, traduire sans reproduire, évoquer sans raconter, laisser l'impression de l'image parler d'elle-même.
Entamée par la série "Usines", la démarche de l'Émanation mnémonique spontanée a engendrer un besoin de plonger dans le figuratif afin d'explorer la nature même et le vécu des objets observés.
J'ai maintenant le goût de voir ce qui m'intrigue. Ne plus simplement le suggérer, mais l'observer. Voir et brosser rapidement l'essentiel de ce que je ressens par rapport à l'image de l'objet, son émanation. Oui, il s'agit encore d'émanation mnémonique, mais cette fois cela ne vient plus de moi mais directement des formes et des objets que j'observe. Ils ont quelque chose à raconter.
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La grande usine
acrylique sur toile - 2008
36" x 48" (91,4 cm x 121,9 cm)
série "Usines"

Série Usines
5e phase (2007-2011)

« C’est un travail sur la mémoire architecturale, non pas dans son sens construction, ni esthétique, mais sur l’émanation mnémonique spontanée, la perception de l'histoire vécue ou ressentie d'un lieu et d'une époque. »

Je me rends compte maintenant que tout mon processus pictural est en train de se cristalliser sur la mémoire inconsciente, instinctive et spontanée, celle qu’on ne peut expliquer mais qui est là, sous-jacente à chaque mouvement, geste ou décision que l’on prend.
À l’instar de la mémoire des métaux, par exemple, je crois que le corps en son entier acquiert une mémoire des lieux et du temps qui transcende même la qualification de mémoire.

En stimulant le réflexe, le geste spontané, et surtout en se « débranchant » non seulement des contrôles de forme, de justesse mais aussi des normes reçues ou établies, il devient alors possible de retranscrire des images sans même les concevoir. Seule cette mémoire interne pourra s’exprimer et faire surgir des images peut-être floues, mais qui laisseront à tout un chacun un espace interprétatif libre, pouvant réagir selon sa propre émanation mnémonique spontanée.

C'est peut-être pour cela que je me balade entre l'abstraction et le figuratif...
C'est peut-être aussi pour cela que je peins les yeux mi-clos, comme me l'a fait remarquer quelqu'un lors de la performance. Je ne regarde pas vraiment ce que je fais, je le perçois.
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Terres noires
acrylique sur toile - 2006
26" x 38" (66 cm x 95,5 cm)
série "Formes noires"

Série Formes noires
4e phase (2004-2010)

La démarche est en réalité une contre-démarche. Plonger tête première dans une image en formation. Se mettre en déséquilibre afin que l'instinct pictural prime sur la réflexion conceptuelle. Au besoin répéter l'expérience mainte et mainte fois, afin de pouvoir cerner la cohérence de l'image. Ne pas essayer de comprendre ni ce qui se passe, ni ce qui pourrait se passer. Ne pas réfléchir, mais bien agir sur la toile, jusqu'à ce que l'image se stabilise.

Le point de départ est toujours une forme noire dominante, qui impose, par sa structure, le sujet de l’histoire. Viennent alors se juxtaposer des teintes et des formes, sorte de contrepoints justifiant la présence et l'existence de la forme noire. Chaque couleur est spontanément saturée de noir. Cette saturation exprime l’usure, le travail et la véracité de la vie.
Les teintes sont simples et complexes à la fois, pour que l’on puisse voir plus que ce qu’il y a dans la composition, que chaque observateur puisse décerner les images qu’il peut s’inventer, en apercevant par transparence des niveaux de lecture multiple.

La démarche, s'il en est une, est de faire abstraction de toute formation académique, quelle qu'elle soit, de tout ce qui pourrait entraver le processus créatif, de toute démarche conceptuelle, et ne laisser s'exprimer que l'essence même de ce l'on est.

C'est à chaque fois un plongeon dans une image qui surgit au fur et à mesure des mouvements, des couleurs et des formes. Il n'y a pas de concept initial. Chaque toile est issue d'un désir de surface, qui, progressivement, s'approfondit par couches et interventions successives, et forme enfin une sorte de cohérence de couleurs et de structures. Peindre, c'est se mettre souvent en situation de risque. Il y a une peur constante durant l'exécution, une sorte de stress dynamisant, une curiosité de ce qui va se passer, et un plaisir immense lorsque les choses se mettent soudainement en place. Cette excitation de sentir le moment précis où la cohérence s'installe et que l'image prend forme est le moteur même du désir de peindre.
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American Fields
acrylique sur toile - 1991
34" x 48" (86,4 cm x 95,5 cm)
série "Mécaniques"

Série Mécaniques
3e phase (1991-1992)

Immersion dans une période d'ingénierie, les structures visuelles s'inscrivent dans une thématique anecdotique purement mécanique.

Une part de moi est attirée par l'ingénierie et la mécanique. Dans cette série, je me suis laissé aller à exprimer ma relation dans un domaine qui, de prime abord, semble peu ou pas artistique. Mais il s'agit bien là d'un univers de création sculpturale. J'ai tenté de transférer la notion tridimensionnelle dans un univers pictural bidimensionnel. Même si l'abstraction est la base de la composition, les éléments anecdotiques sont des supports à la narration. Les paysages, s'ils apparaissent quelques fois, sont là pour définir l'espace, pour définir la scène.
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Échaffaudage 4
acrylique sur toile - 1991
48" x 24" (121,9,4 cm x 61 cm)
série "Structures"

Série Structures
2e phase (1990-1991)

À l'instar des échafaudages architecturaux qui semblent cacher ce qu'ils construisent, les thèmes visuels se composent de structures apparentes. C'est le besoin de rendre visible la recherche des formes et des surfaces, le besoin de comprendre, sans cacher ce qui se trame durant le processus créatif.

Je voulais montrer ce qui est invisible dans le processus de création : les structures organisationnelles qui construisent l'image sur la toile. Je voulais rendre apparent ce qui ne se montre pas, ce qui se passe dans la tête du créateur. Rapidement, ces structures ont pris une place prédominante à la composition.
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Carapace
acrylique sur toile - 1991
48" x 24" (121,9,4 cm x 61 cm)
série "Surfaces"

Série Surfaces
1e phase (1990)

C'est une période de découverte de la toile, de sa surface et de sa texture, d'assemblage des formes visuelles et des couleurs d'où vont émerger une palette de tons et de formes qui seront les éléments récurrents dans tout le parcours artistique. C'est le fondement du travail.

Cette série fut ma première incursion dans le monde de la peinture. J'ai voulu déstructurer mon apprentissage graphique, progressivement. C'est aussi les premières recherches de couleurs, l'établissement de ma palette de base, les ocres, les blancs et les noirs. Cette période a été pour moi la découverte de la surface de lin, la relation sensorielle avec la toile, avec son grain et ses textures, avec l'objet même, le tableau.
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Genèse et maturation d'une toile

La surface blanche est là, par terre. Toile vierge absente d'émotion. Surface libre et offerte à tout les ébats. Selon si je l'aborde oblong ou vertical, le format guidera certainement la direction de mes premiers gestes.

Trois pots de verre, contenant l'un du blanc quelque peu souillé, l'autre, ce qui fut, il y a longtemps aussi du blanc, mais que le temps a submergé d'ocre de toutes sortes. Résultat : un beige velouté qui, selon s'il est en contact avec du noir deviendra verdâtre, ou s'il se marie à un autre blanc, s'éclaircira en ocre clair et ensoleillé.
Alors, déposant une grosse noix de noir d'acrylique dans une assiette de porcelaine bon marché, je vais, selon encore la grandeur de la toile, choisir la grosseur du pinceau qui écrira les premières lignes de l'image.
Cette fois-ci, c'est un large et touffu pinceau fatigué que j'extirpe de la vieille boîte de conserve emplie d'eau sale, où baignent depuis la veille tous mes pinceaux. Je prends un chiffon maculé de peinture sèche, y cherchant un espace encore souple pour absorber le reste d'eau du gros pinceau. Mais pas trop, il faut que ce dernier reste suffisamment humide. Quelques brasses rapides dans la noix de noir et, tel un escrimeur, j'engage l'attaque.
Quelques lignes brèves, sans réfléchir, immédiatement suivies de rappels, çà et là, pour déjà soutenir une certaine intention de forme. D'autres grandes lignes multidirectionnelles s'inscrivent alors sur la blancheur du gesso sage et standard du canevas de lin. Ce gesso ne restera pas à la vue longtemps.
La forme noire est née.

C'est alors que trois ou quatre pinceaux ronds sortent du pot d'eau. Légèrement essuyés et encore saturés de leurs teintes respectives de la veille, il retrouverons leur rôle, l'un pour le noir, l'autre pour le blanc, un autre pour les beiges et ocres, et enfin, un dernier pour les couleurs plus marquantes. En parlant de celles-ci, dans une autre assiette, je dépose deux plus petites noix de jaune et de rouge.
La palette est alors complète.

Je saisi le pinceau des ocres et beiges, le déleste de son eau, le charge d'un peu d'acrylique frais et vais immédiatement contrer la forme noire naissante et humide.
Au contact de ses abords, les couleurs se mêlent et échangent leur volonté d'exister. Et c'est là que le jeu commence véritablement. Selon si l'une ou l'autre des surfaces décide d'empiéter sur sa voisine, cette dernière l'empêchera en saturant le pinceau de son caractère contraire. Tout est là, dans cette lutte sans fin pour l'espace et la tonalité, l'image prend forme sans que j'y pense. À coups impulsifs, instinctifs et décisifs, les masses, les formes, les surfaces se juxtaposent, tout bouge mais, malgré tout, le tout semble s'organiser.

De temps à autre, l'intention se fait plus présente et c'est le manche du pinceau qui marquera, dans la peinture fraîche, des lignes blanches et fines, incitions franches, déterminées à marquer l'espace, a structurer l'ensemble. Resteront-elles? Rien n'est moins sûr.
Un fusain dur, de graphite ou de charbon, selon l'intention, se mêle à la partie. Il tente de décrire des lignes distincts, esquisser une nouvelle forme d'écriture. Mais un chiffon, ou un pinceau aura vite fait de l'atténuer, voire même de l'effacer presque complètement si ces lignes ne cadre pas avec l'ensemble.

Il peut y avoir un bouleversement total. Une masse noire peut reprendre de l'espace, ou disparaître complètement et ainsi changer radicalement l'équilibre de l'image.

Puis, à un moment qui n'est jamais déterminé, le besoin de déposer la forme rouge-orange se fait sentir. C'est là, exactement là où, d'une certaine évidence, sa place est faite pour l'accueillir que s'exprimera cet élément "focalisateur", ce contrepoids nécessaire et dynamisant. Cet espace libre s'est construit tout seul sans que rien n'ait été prévu d'avance.

Petit à petit, l'image se forme, et comme d'une brume qui se retire progressivement, un paysage apparaît. Car il s'agit quasiment tout le temps de paysages. Soit urbain soit campagnard, toujours industriel. Pourquoi? Ce sera probablement l'occasion d'écrire beaucoup de lignes sur ce sujet. Mais pour l'instant, l'image trouve son équilibre et elle me raconte enfin sa vraie nature. Je dois l'aider à se faire comprendre sans pour autant tomber dans l'anecdotique.

Après des heures, et d'autres toiles en parallèle, l'image semble vouloir faire une pause.
Avec le temps, j'ai appris à respecter ce moment, sans quoi, il peut arriver des choses regrettables. Je peux passer complètement à côté de l'image en question.
Bon, on verra plus tard.
Juste un détail encore qui, je ne sais non plus pourquoi, marque une étape importante : je sertis l'image d'un trait noir, sur l'orée du flanc de la toile, comme pour mieux l'inscrire dans l'espace et marquer le temps d'une pose.

Quelques fois, à vrai dire souvent, c'est seulement lendemain que je vois enfin l'image, ce qu'elle a voulu dire, ce qu'elle voulait véritablement exprimer. La soutenir encore un peu? Peut-être, peut-être pas. À cette étape, il est facile de tout gâcher. Alors prudence. Laissons-la mûrir encore un peu. Un autre jour encore, et je la verrai mieux.

Et voilà comment se passe la genèse et la maturation d'une toile. Je ne sais jamais lorsque celle-ci est terminée, je sais juste qu'il y a un geste à ne pas franchir.

Alec Stefani, Alec Stefany, Alec Stephany, Alec Stephani, Alec Stéfani, Alec Stéfany, Alec Stéphany, Alec Stéphani, Alek Stefani, Alek Stefany, Alek Stephany, Alek Stephani, Alek Stéfani, Alek Stéfany, Alek Stéphany, Alek Stéphani, Alec Stefanni, Alec Stefanny, Alec Stephanny, Alec Stephanni, Alec Stéfanni, Alec Stéfanny, Alec Stéphanny, Alec Stéphanni, Alek Stefanni, Alek Stefanny, Alek Stephanny, Alek Stephanni, Alek Stéfanni, Alek Stéfanny, Alek Stéphanny, Alek Stéphanni,

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